« Napoléon » : Ridley Scott, Joaquin Phoenix et Vanessa Kirby se livrent sur le tournage du film

À 85 ans, Ridley Scott semble infatigable et a encore beaucoup d’histoires à raconter. Alors qu’il présente son nouveau film, Napoléon, avec Joaquin Phoenix dans le rôle principal, le légendaire réalisateur vient déjà de monter 90 minutes de la suite de Gladiator.

La réalisation d’un film n’a pas de secret pour Ridley Scott, et rien, de l’emplacement des caméras sur le plateau à l’utilisation de la musique tout au long du film, n’est laissé au hasard. Si la vie de Napoléon Bonaparte en tant que génie militaire, stratégique et conquérant est dépeinte dans le film, c’est surtout sa relation avec son épouse Joséphine de Beauharnais ainsi que sa personnalité complexe, parfois enfantine mais toujours tyrannique, qui sont au cœur du Napoléon de Ridley Scott.

Le film s’ouvre en 1793, avec une scène que tout le monde reconnaîtra et pourra situer sur une frise chronologique : l’exécution de Marie-Antoinette. Au milieu de la foule en liesse, observant de loin la dernière reine de France s’avancer vers l’échafaud et faire face à son destin, se trouve un jeune officier du nom de Napoléon. En réalité, Napoléon Bonaparte n’a pas assisté à cette scène, mais est-ce que cela a vraiment de l’importance ou change le reste de l’histoire à ce stade ? Probablement pas. On pourrait même dire que cette scène d’ouverture définit les ambitions et les objectifs de Napoléon, qui veillera à ce que la France n’ait jamais à affronter une période aussi traumatisante et chaotique que le règne de la Terreur. Des « inexactitudes historiques » ont été relevées par certains historiens. « Y étiez-vous ? », a répondu Ridley Scott.

Il est vrai que le film de Ridley Scott n’est pas un documentaire, et il n’y a pas un seul documentaire réalisé sur Napoléon Bonaparte qui soit complètement exact sur le plan historique : Napoléon reste l’un des personnages les plus controversés de l’histoire de France. Il fait partie de ces personnages dont on étudie la vie chaque année à l’école, et chaque année, on obtient une nouvelle version de sa personnalité. On sait beaucoup de choses sur sa vie de conquérant, mais comprendre qui il était vraiment en coulisses est une autre histoire. Napoléon trace une ligne très fine entre les inexactitudes historiques et l’interprétation créative. Ridley Scott le sait très bien et s’en accommode. Comme toujours, son objectif était clair dès le départ et chaque seconde de chaque plan a été planifiée, dessinée et écrite avec la plus grande précision.

« En tant que conteur, le plus important c’est de transcrire votre idée sur le papier », confie Ridley Scott. « [Si vous n’avez pas de scénario], vous vous lancez dans une entreprise cauchemardesque. Si vous en avez un, le reste sera plus amusant et plus facile. Il y a eu des milliers de livres écrits sur Napoléon. On m’a demandé quel livre j’avais lu, ce à quoi j’ai répondu : “Aucun.” J’ai étudié toutes les peintures de Napoléon Bonaparte, car elles sont une capsule temporelle de l’histoire, elles sont si précises, elles disent tout. »

Le tableau de Jacques-Louis David, Le Sacre de Napoléon, a inspiré la scène cruciale du couronnement de Napoléon dans le film, et aussi célèbre et glorieux que soit le tableau original, il n’est pas exempt d’erreurs non plus. Par exemple, la mère de Napoléon est représentée dans le tableau alors qu’elle n’a pas assisté à la cérémonie. Cependant, cette scène du film est si magnifiquement filmée et si fidèle à la peinture qu’elle représente parfaitement les paroles de Napoléon lorsqu’il a vu pour la première fois l’œuvre de Jean Louis David : « Ce n’est pas une peinture. On vit, on marche, on parle dans ce tableau ! »

En ce qui concerne les inexactitudes historiques, comme mentionné précédemment, le film s’ouvre sur la mort de Marie-Antoinette, pour laquelle le réalisateur a fait le choix brillant d’utiliser de manière anachronique la chanson révolutionnaire française « Ça Ira » d’Édith Piaf, pour accompagner la Reine de France lors de sa dernière promenade : « Cette chanson n’a pas été chantée par [Édith Piaf] avant les années 1930 ou 1940 », déclaré le réalisateur. Ridley Scott est avant tout un conteur, qui a toujours su s’exprimer par le dessin. Il aurait pu être designer ou architecte s’il n’était pas devenu l’un des plus grands cinéastes de tous les temps. Si les décors de ses films sont parmi les plus caractéristiques et les plus reconnaissables, qu’il s’agisse des rues futuristes éclairées au néon de Blade Runner ou de l’étrange et enchanté château du Seigneur des Ténèbres de Legend, Ridley Scott a toujours mis un point d’honneur à raconter ses histoires à travers chaque détail de ses films, des costumes à la musique. À cet égard, la musique des films du réalisateur est devenue aussi emblématique que les films eux-mêmes : il n’y a probablement pas un seul cinéphile qui ne reconnaisse pas le thème de Gladiator « Honor Him » dès les deux premières notes, ou les musiques de fin de Blade Runner de Vangelis.

Pour la musique de Napoléon, Ridley Scott a fait appel à la même précision et au même talent de conteur, dès qu’il a commencé à travailler sur son story-board. « La musique, je l’ai en tête quand je fais le story-board. […] C’est un homme de tête. Il est peut-être petit, mais c’est un dur à cuire. Vous ne pouvez pas l’oublier. Je voulais donc trouver une voix qui reflète cela : s’il chantait, à quoi ressemblerait-il ? J’ai donc pensé à un berger qui chanterait à ses moutons la nuit pour les faire taire. C’est ainsi que tout a commencé. Nous avons obtenu l’air, utilisé de la manière la plus puissante, en plein milieu du chaos de Waterloo. Nous avons obtenu un silence, sur son visage, et vous savez qu’il va chevaucher dans la bataille, en espérant se faire tirer dessus. Parce qu’il sait qu’il a perdu. C’est là que la thématique joue vraiment très bien. À partir de là, on obtient des versions orchestrales de ce thème », explique le cinéaste.

Très peu de réalisateurs sont capables d’être aussi « épiques » que Ridley Scott. Certaines des meilleures scènes de bataille jamais réalisées pour le grand écran proviennent de ses films, et il ne fait jamais rien à moitié. Il est connu pour son utilisation de plusieurs caméras lors du tournage (jusqu’à 11 caméras ont été utilisées dans Napoléon), en particulier pour les plans qui emmènent le spectateur à l’intérieur de la bataille : « Elles sont toutes tenues à la main à ce moment-là. Mais certaines d’entre elles peuvent être des drones. Certaines peuvent être sur une plateforme, mais la plupart sont tenues à la main », poursuit Ridley Scott.

À ce stade, les spectateurs ne sont plus neutres. Ils ne regardent plus l’histoire depuis un point de vue extérieur, ils la contemplent depuis le point de vue du soldat, tombant à terre avec lui. Ils se retrouvent dans la peau de Napoléon pendant un court mais intense moment, et soudain, ils réalisent que ce film n’est peut-être pas fait pour être vu avec le point de vue d’un historien, mais avec celui de Napoléon. C’est peut-être à cela que ressemblerait sa vie, s’il racontait lui-même son histoire.

De telles prises de vue brutes et inquiétantes sont également visibles dans Kingdom of Heaven (2005). En tant que conteur d’histoires, qu’est-ce qui pousse Ridley Scott à amener les caméras et les spectateurs à l’intérieur de la bataille ? « Je sais vraiment dessiner. Je dessine donc tout parce que c’est une préparation pour moi, comme si je filmais sur papier, dans ma tête. La planche est donc épaisse, mais chaque page contient neuf images. C’est comme une super bande dessinée. Lorsque je fais cela, je pense déjà à Waterloo et je me dis : “Cela commencera par un paysage, avec des nuages et du vent.” C’est déjà très beau. C’était un mauvais jour, mais j’ai eu un temps parfait parce que le vent était réel et la pluie était réelle. J’ai donc eu beaucoup de chance. C’est comme ça que ça s’est passé. Ensuite, on se penche un peu sur cette section d’un point de vue orchestral, en travaillant visuellement sur ce que l’on va faire. Les gros plans, l’intérieur, les prises de vue à main levée… Puis on voit Napoléon étudié par Wellington à travers une longue-vue, deux hommes qui se regardent mutuellement à travers une longue-vue. Ont-ils fait cela ? Je n’en ai aucune idée, mais cela n’avait pas d’importance. »

« Une grande partie de sa vie est sujette à interprétation », confie Joaquin Phoenix, lorsqu’on lui demande où et quand il avait l’impression de devoir tracer la ligne entre ce qu’il avait découvert sur Napoléon au cours de ses recherches et sa créativité en tant qu’acteur. « Dès le début, j’y ai mis ma propre curiosité et mes propres intérêts. Je veux dire qu’il y avait probablement des éléments critiques, on ne peut pas vraiment défier les faits, mais je me souviens que très tôt, j’ai regardé cette vidéo de deux universitaires qui avaient écrit des livres sur Napoléon, il n’y avait qu’eux, se disputant littéralement pendant une heure et demie sur des faits, sur sa vie, sur lesquels ils n’étaient pas d’accord entre eux. Il y a donc des choses qui font l’objet d’un consensus général, où les gens acceptent certains faits. »

Il poursuit : « Mais lorsque vous abordez l’idée des relations, vous comprenez qu’il était immature, qu’il ne savait pas comment être avec une femme. […] Comment pouvez-vous appliquer cela à cette scène en particulier ? Parfois, on se dit littéralement : “Voilà le but de la scène, voilà les informations [dont nous disposons]”, et c’est tellement ennuyeux, qui s’en soucie ? Il suffit de se dire que tel ou tel aspect semble plus intéressant, et peut-être que ce n’est pas le cas, peut-être que vous échouez, et parfois vous faites le mauvais choix, mais si vous êtes rigide et que vous vous en tenez aux faits… Parfois c’est le genre de film que vous voulez, certaines personnes veulent faire cela, et j’aime personnellement regarder ces films. Ce n’était pas le cas de ce film. Je me sens à l’aise dans les scènes de sexe inconfortables, parce que c’est le moment de voir ce côté de leur personnalité, c’est vraiment inattendu. »

Les scènes de sexe « inconfortables » en question sont révélatrices de la personnalité complexe de Napoléon. D’une part, le spectateur regarde un film sur un homme qui voulait conquérir le monde et qui, d’autre part, était incroyablement frustré et jaloux lorsque sa femme se trouvait à l’autre bout de la planète. Son obsession pour Joséphine a commencé un soir au Bal des victimes, qui selon certains historiens n’a jamais existé, a été créé après le règne de la Terreur en France. Joséphine demande à Napoléon s’il la regarde lorsqu’elle s’aperçoit que ce personnage sombre l’observe de l’autre côté de la salle. Tout comme Napoléon, Joséphine de Beauharnais reste un personnage controversé et le public en sait probablement moins sur elle et sur sa relation avec Napoléon que ce qu’il le pense. Leur mariage ainsi que leur divorce parce qu’ils n’ont pas pu concevoir d’héritier ensemble restent très difficiles à comprendre, et le film prouve que tous deux ne savaient probablement pas ce qu’ils étaient vraiment ou ce qu’ils voulaient l’un pour l’autre, même si les célèbres derniers mots de Napoléon ont été : « France… armée… Joséphine. »

Lorsqu’un acteur interprète un personnage historique, il y a parfois un moment clé où il sait qu’il ne fait plus qu’un avec cette personne, en mettant une perruque, une robe ou en prononçant certains mots. Vanessa Kirby confie que c’était une expérience complètement différente cette fois-ci : « C’est intéressant avec elle, parce que chaque chose que j’ai lue était tellement différente, il y avait tellement de versions d’elle et de différentes parties de sa vie, ce n’était jamais cohérent, elle était beaucoup de choses différentes, transformée à bien des égards, d’une manière mercurielle, donc c’était intéressant parce que chaque version dans les différentes scènes à travers les années était extrêmement différente. Je ne dirais donc pas qu’il y a eu un seul moment. Je me souviens que dans The Crown, j’ai mis une perruque, et soudain j’étais dans ce costume, je me sentais vraiment comme Margaret, mais Joséphine, j’ai compris que peut-être le travail que j’avais à faire était d’essayer d’incarner un changement continuel et un réceptacle pour elle. C’est donc une longue réponse pour simplement dire qu’il n’y a pas eu de moment clé. »

Article traduit de Forbes US – Auteure : Maëlle Beauget-Uhl

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